JAMES BLAKE - THE WILHELM SCREAM
ADELE - “21” CANCION POR CANCION
Mañana sale al mercado el segundo álbum de esta preciosa estrella en nacimiento. La británica hace que la obscenidad suene sofisticada y sexy en su boca, y la mezcla de imágenes de la británica con las canciones invitan a escuchar el disco completo.
Aquí la cantante se deja llevar por la honestidad y le cuenta al fan, canción por canción, las historias detrás del nuevo repertorio.
HAPPY BIRTHDAY, QUESTO!
Ayer cumplió años Ahmir ?uestlove Thompson, baterista de la legendaria agrupación The Roots.
El “beat” de nuestros tiempos no sería lo mismo sin la visión de “Questo”.
A Music State Of Mind.
La palabra “música” es la definición de Dios en la boca y en el corazón de todos los niños del mundo.
via Laura Hernández
Billy Corgan: “el rock tiene que asustar a las mamás” -themusicpimp interview
nunca le pregunté dónde estaba. siempre comienzo la entrevista preguntando “dónde anda?”. me parece una buena forma de romper el hielo y de entablar conversación, porque esto de entrevistar artistas es algo tan complicado que tiende a acartonarse desde el principio, y sobre todo cuando uno debe hablar, oir, preguntar y contrapreguntar en otro idioma. pero no en este caso.
lo único que pude decir cuando billy corgan de smashing pumpkins saludó fue decirle, de inmediato, lo increíblemente fanático que soy de él. y supongo que mi gran nerviosismo se debe a que corgan, hijo de la norteamérica post-reagan y padre de las canciones más poderosas del grunge que no salieron de seattle -cuna y lugar de origen del último gran fenómeno de rock del siglo XX-, es lo más cercano que podré estar de kurt cobain.
billy corgan de smashing pumpkins perpetuó el llanto de la generación x durante años después de la muerte del cantante y guitarrista de nirvana, y perpetuó también la esperanza de quienes pensábamos que el rock podía cambiar vidas. si la banda sonora de la generación alternativa fue “nevermind”, podríamos decir que corgan escribió su manifesto -“mellon collie and the infinite sadness”- , lo trazó con letras épicas y lo ilustró con videos inolvidables. cobain fue la banda sonora. corgan es el libro del grunge.y finalmente estará en bogotá. ha dejado atrás a d’arcy, a iha y a jimmy, y con su repertorio de canciones nuevas y clásicas estará en el coliseo cubierto el campín, este 27 de noviembre, 15 años después de “mellon collie”. y finalmente estaba ahí, al teléfono. qué le iba a preguntar dónde estaba? no tuve la cabeza fría. me porté como un fan. pero a la final, eso es lo que siempre seré: un gran fan de las pumpkins. creo que no había necesidad de esconderlo.
tmp: muy contento de tenerlo en el teléfono, soy un fan muy grande.
bc: gracias.
tmp: qué ha pasado con las smashing pumpkins recientemente?
bc: estuvimos tres semanas en el estudio grabando dos canciones nuevas, y ensayando para esta nueva gira, muy ocupados.
tmp: cómo ve las cosas ahora y cómo las compara con lo que sucedió en los noventa?
bc: lo que veo ahora es que el asunto número 1 es la tecnología y no la música. eso tiene cosas buenas y malas. lo bueno es que cualquier persona, o casi cualquier persona en el mundo puede conseguir música. el problema es que hay tanta información, tantos artistas distintos, algunos geniales, otros malos, otros normales, que es muy difícil lograr que alguien se concentre en uno de ellos porque todo se mueve tan rápido, y esto hace muy difícil que se pueda establecer la calidad del arte. En los primeros 50 años del rock and roll, los primeros artistas tuvieron éxito porque eran buenos. No siempre pero en su gran mayoría. ahora alguien sale con un video bonito, una canción estúpida, meterle un rap, y de repente, es lo más grande. se ha vuelto más sensacionalista.
tmp: cuando nos conectamos con ustedes en el 91 con “today”, “disarm” y las canciones de Siamese Dream y de Gish, qué tan difícil era entrar a MTV y qué tenía que hacer para poder entrar a la rotación de una emisora? qué pasó más allá de las magníficas canciones y los momentos que nos hicieron vivir en los noventa? qué había que hacer como artista para hacerse notar?
bc: era demasiado diferente en aquel tiempo. cuando empezamos, no nos ponían en la radio. PARA NADA. salvo las que llamamos las emisoras de universidad, que por supuesto sólo tenían un alcance de 32 personas. con el primer álbum nos pusieron 1 o 2 veces en un programa especial de MTV que se llamaba 120 Minutes que se trasmitía los domingos…
tmp: cierto.
bc: esa era la exposición delante del mundo. lo que pasó a comienzos de los 90, que me parece que fue único - pero similar a lo que sucedió en la década del - 60 es que hubo una fusión entre cultura y música. la música alimentaba a la cultura y la cultura alimentaba a la música. por supuesto, había grandes artistas en aquel momento, capaces de escribir grandes canciones, realizar grandes álbumes, pero lo más importante que sucedía en aquel momento y que siento que hoy en día se perdió era que uno tenía que saber tocar en vivo, y tenía que conectar verdaderamente con la audiencia cuando se estaba en concierto. hoy en día tiene usted un montón de bandas que tienen éxito sin tener que ser buenas en vivo. y lo que sucede con eso es que cuando la banda sale con una gran canción o sencillo, las emisoras ponen esa canción, la gente se emociona, va a ver a la banda en vivo, y resulta que la banda no es muy buena…tocan de manera regular, el espectador va a verlos una vez y nunca más regresa. la banda no crece y la audiencia tampoco.
tmp: el debate de los toques en vivo es muy importante. cuántas veces tocaron ustedes sus canciones antes de volverse grandes?
bc: lo que sucedió con nosotros fue la unión de la radio y de los toques en vivo. a nosotros nos empezaron a rotar con “today” y a partir de eso, fuimos haciendo una fanaticada que comprobaba cuando nos veía en vivo que teníamos un show explosivo. eso cerraba el ciclo perfectamente. éramos una banda que tenía canciones buenas para la radio pero también entregábamos shows épicos, y más adelante nos distanciamos de otras bandas al realizar buenos videos.
lo que sucede ahora es que hay tanta información, y hay tanta gente empujando sus propios intereses, que es demasiado difícil separar lo genial de lo bueno. veo tantas cosas que se empujan o se mercadean como geniales y sé que no lo son. y conozco artistas y bandas geniales que no reciben una oportunidad porque a alguien no le gusta la ropa que la banda se pone, o alguna estupidez de ese tipo. el rock and roll se volvió un asunto de carácter más cultural, y cada vez que el rock and roll se le arrodilla a la cultura, ahí termina el rock and roll. el rock and roll tiene que ser peligroso, no puede nunca rendirse, y tiene que tumbar paredes básicamente. cada generación viva se merece su propio rock and roll. el rock and roll de los últimos diez años ha sido una fórmula segura, y la gente ha respondido a esa seguridad. ya el rock and roll no asusta a tu mamá. y si estás oyendo rock and roll que no está preocupando a tu mamá por la persona en la que te estás convirtiendo, probablemente no estás oyendo rock and roll, sino una copia de una copia de una copia del rock and roll. creo que el rock and roll tiene que ser peligroso para tener éxito. si no es peligroso, entonces estás oyendo a lady gaga con ropa distinta.
tmp: escuchando el mellon collie and the infinite sadness antes de esta entrevista, se me pasó por la cabeza que esta es la música de una generación y que todas estas canciones son ya más himnos que canciones. usted planeó que fuera así? por qué tonight tonight y zero y bullet with butterfly wings se convirtieron en estas piezas sagradas de nuestras vidas? quiero decir, antes, como usted lo decía, para nosotros eran rock peligroso, veloz, pero ahora hacen parte de esta cosa espiritual que es la música en nuestras vidas…
bc: yo creo que tocábamos con un sentido particular de desesperación. tocábamos con el deseo de no tener que volver al barrio del que salimos. sentíamos que la ventana iba a estar abierta sólo cierto tiempo, y que en cualquier momento, alguien, algo, en alguna oficina, la iba a cerrar y que nos ibamos a quedar encerrados de nuevo en el barrio. de manera que sentíamos que teníamos que tumbar todas las barreras a las patadas. esa desesperación le dio a la música un sentido verdadero y una vitalidad únicas, y la audiencia sintió eso.
ahora que estoy más viejo, veo la música de forma diferente. ya no pienso de manera desesperada. ya no estoy desesperado. pero entiendo también que si no haces música con gran pasión, la audiencia no encuentra lo que está buscando. puedo sentarme con los fans a preguntarles qué tipo de música quieren oir de mi, y lo único que me dicen es que quieren oir lo que ya han escuchado. en realidad no tienen la capacidad de oir lo que hay en el futuro, pero es que ESA es la labor del artista. el artista es el que tiene que tomar ese riesgo: el de invocar esa música del futuro y convertirla en el presente. eso se pierde mucho cuando la gente se pone sentimental con mi banda, y es que mi música no fue hecha para sentimentalismos. de hecho fue hecha en oposición al sentimentalismo. y el hecho de que se convierta en un tema de nostalgia para unos a mi no me importa, porque yo sigo haciendo música sin sentimentalismo.
tmp: cuídese mucho, deseo mucho poder verlo el 27 de noviembre en el coliseo, que Dios lo acompañe y que lo lleve con bien por esta gira adonde quiera que vaya.
bc: gracias y que Dios lo bendiga a usted también.
Bogotá, 24 de noviembre de 2010.
agradecimientos especiales a Gabriel Posada Gálvis y a Juan Arbeláez de EVENPRO.
Producción de radio: Alvaro Uribe @uribedj en twitter.
“El negocio de la música es una trinchera de dinero cruel y vacía, un pasillo largo hecho de plástico por el que corren libres ladrones y proxenetas, y los hombres de bien mueren como perros.
Y tiene, también, su lado negativo.”
Hunter S. Thompson.
